miércoles, 9 de junio de 2010

Dennis Hopper, el genio iconoclasta


A Dennis Hopper, fallecido hoy a los 74 años de cáncer de próstata, se le recordará por dirigir y protagonizar "Easy Rider" (1969), "road-movie" de culto, paradigma del universo hippie y ejemplo de la rebeldía y contracultura de la época.



Hopper dejó papeles para el recuerdo en "El amigo americano" (1977), de Wim Wenders, "Apocalypse Now" (1979) y "Rumble Fish" (1983), de Francis Ford Coppola, y "Terciopelo azul" (1986), de David Lynch, además de otros títulos populares como "Hoosiers: Más que ídolos" (1986), "Amor a quemarropa" (1993) y "Speed (Máxima velocidad" (1994).

http://www.abc.es/20100529/cultura-cine/biografia-hopper-201005292024.html

Fue candidato al Óscar en dos ocasiones, al mejor guión original por "Easy Rider" y al mejor actor de reparto por "Hoosiers", y en 2008 coincidió con Penélope Cruz en "Elegy", dirigida por Isabel Coixet. En 2002 recibió el Premio Donostia del Festival de Cine de San Sebastián, un galardón entregado por su amigo y cineasta Julian Schnabel, quien lo definió como "modelo de lo iconoclasta". "Transformó Estados Unidos en Estados Alterados", dijo Schnabel al referirse al impacto social de "Easy Rider", un filme que causó un profundo impacto en la sociedad de su tiempo "al retratar su espíritu".


Esa fue su ópera prima como realizador, con la que ganó el premio a la mejor película de debut en el Festival de Cannes y la que le situó en los anales del cine. "Como todos los artistas, quiero engañar un poco a la muerte y contribuir con algo a las siguientes generaciones", afirmó el actor en 1997. Y lo consiguió.

En "Easy Rider" dos hombres de Los Ángeles (Peter Fonda y él) se echan a la carretera en unas Chopper camino de Nueva Orleans mientras descubren la otra realidad de EEUU, un país que sueña con la libertad al ritmo del "Born to be Wild", de Steppenwolf, mientras se mantiene la pesadilla de Vietnam.

La banda sonora del filme, compuesta por temas míticos como "I Wasn't Born to Follow", de The Byrds, o "If Six Was Nine", de Jimi Hendrix, es una de las famosas de todos los tiempos.

Hopper se había labrado hasta entonces una carrera como actor en numerosas series y películas para televisión, que le facilitaron pequeños papeles en cintas como "Rebelde sin causa" (1955) y "Gigante" (1956), en las que entabló una gran amistad con James Dean. Tras "Easy Rider" abrazó el cine definitivamente para convertirse en uno de los grandes secundarios del cine actual, a pesar de que su segunda obra como realizador, "The Last Movie" (1971), fue un sonoro fracaso, en parte debido a sus problemas con las drogas y el alcohol.


"Por entonces bebía dos litros de ron al día y guardaba un poco junto a mí en caso de que se acabara; tomaba 28 cervezas al día y tres gramos de cocaína sólo para mantenerme en pie", dijo el actor en 2001. Por entonces llevaba 18 años sin probar una gota de alcohol. En los últimos tiempos Hopper, que además del cine cultivó la pintura y la fotografía, aficiones que venía practicando desde finales de los 60 -fue objeto de importantes retrospectivas en museos de Amsterdam o Viena-, había solicitado el divorcio de su esposa, Victoria Duffy, con quien llevaba casado 14 años.

La pareja tenía una hija en común, Galen, de seis años. El actor había solicitado la custodia legal compartida. Victoria era la quinta mujer de Hopper, aunque su matrimonio duró mucho más que los cuatro anteriores del actor, que incluyó uno de ocho días con Michelle Philips.

Sus otras esposas fueron Brooke Hayward (1961-1969), Daria Halprin (1972-1976) y Katherine LaNasa (1989-1992), con las que tuvo un hijo con cada una. El intérprete recibía tratamiento desde octubre para el cáncer a través de un programa especial de la Universidad del Sur de California (USC), de Los Ángeles. Inmediatamente antes, Hopper había concluido la grabación de la segunda temporada de la serie "Crash", basada en el filme ganador del Óscar a la mejor película en 2005

Clint Eastwood y los 80 años del tipo duro que aprendió a tocar corazones


EFE | LOS ÁNGELESActualizado Lunes , 31-05-10 a las 13 : 48

Clint Eastwood, el tipo duro que creó escuela en las películas del Oeste de Sergio Leone y que, años después, se reinventó como analista minucioso de los sentimientos más intensos, cumple hoy 80 años, convertido en el último gran clásico del cine.



Eastwood y su rostro impenetrable dieron clase al "spaguetti-western" y convirtieron en icónica la imagen del sombrero, el poncho y el cigarrillo puro zurcido a la comisura de los labios en una trilogía para la historia: "Por un puñado de dólares" (1964), "La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966).

Esos papeles le llegaron después de protagonizar algunos filmes de serie B y encarnar durante siete años a Rowdy Yates en la popular serie estadounidense "Rawhide", también ambientada en el Oeste. "Estaba cansado de interpretar al vaquero ejemplar", reconoció el propio actor. "El héroe de Leone era diferente. Una figura enigmática con tonos satíricos que funcionaba en el contexto de la película", añadió.


En el último filme de la saga de Leone su fama se disparó y entró de lleno en el firmamento de Hollywood, lo que le permitió trabajar en varias ocasiones con Don Siegel ("La jungla humana", 1968; "Dos mulas y una mujer", 1970, y sobre todo "El seductor", 1971), del que aprendió varias de las claves que posteriormente desarrollaría como cineasta. Y también su economía de medios, ya que Siegel se caracterizó por trabajar con presupuestos ajustados y tomas a la primera, señales patentes en el cine del Eastwood director.

En ese mismo año debutó tras las cámaras con el thriller "Escalofrío en la noche" (1971), donde ya dejaba pistas sobre los terrenos pantanosos y perturbadores que le atraían como narrador, e interpretó uno de los papeles más recordados de su carrera: el del violento inspector de policía Harry Callahan y su mágnum 44 en "Harry el sucio", de nuevo a las órdenes de Siegel, que vería hasta cuatro secuelas.Cuando todos pensaban que el declive de Eastwood había llegado, se reveló como uno de los autores más importantes del último cine estadounidense

Sus mejores frutos
Sin embargo, el tándem con el director recogería sus mejores frutos en la mítica "Fuga de Alcatraz" (1979). En los 80 se volcó en su faceta como realizador y de ahí salieron éxitos como la cuarta parte de "Harry el sucio", llamada "Impacto súbito" (1983), o las recordadas "El jinete pálido" (1985) y "El sargento de hierro" (1986).

Y cuando todos pensaban que el declive de Eastwood había llegado, el larguirucho californiano se reveló como uno de los autores más importantes del último cine estadounidense. Ganó dos Oscar, a la mejor película y al mejor director, por "Sin perdón" (1992), en su primera colaboración con su amigo íntimo Norman Freeman. Eastwood dedicó el filme en los títulos de crédito a Siegel y Leone.

Doce años después repitió gracias a "Million Dollar Baby". Y, además, fue candidato en esas categorías por "Mystic River" (2002) y "Cartas desde Iwo Jima" (2006), en las que se animó a componer la banda sonora. Desde que filmara en 1988 "Bird", la biografía sobre el saxofonista Charlie Parker, Eastwood sorprendió con una voz y estilo propios, encadenando trabajos de hondo calado emocional y reflexiva emoción. Logró, incluso, el milagro de enamorar a la reina del drama, Meryl Streep, en "Los puentes de Madison" (1995).


Quién se lo iba a decir a ese bebé que pesó más de seis kilos al nacer en San Francisco, hijo de dos trabajadores de una fábrica, y que se libró de ir a la guerra en Corea, confinado en el cuartel como instructor de natación. El mismo que tuvo cinco hijos con siete mujeres -se casó con Maggie Johnson y Dina, con quien vive desde 1996- y que en los últimos tiempos ha manifestado que "Gran Torino" (2008) sería su testamento como actor.

Eso sí, su carrera como director no cesa. Para octubre tiene pendiente el estreno de "Hereafter", un "thriller" sobrenatural protagonizado por Matt Damon, y ya se prepara para rodar una película basada en la vida del ex director del FBI J. Edgar Hoover. El mundo del cine, no obstante, se resiste a creer que ya no volverá a ver a Eastwood en la gran pantalla. Ese tipo de gesto hosco que pronunció frases para la posteridad como "venga, alégrame el día" o "el mundo se divide en dos categorías: los que tienen el revólver cargado... y los que cavan. Tú cavas".

http://www.abc.es/20100531/cultura-cine/clint-eastwood-201005301806.html

Se cumplen 30 años de "El resplandor", la aportación de Kubrick al terror


La transición a la locura retratada por Stanley Kubrick en "El resplandor", el único filme de terror de su carrera, cumple el domingo 30 años desde su estreno en EEUU donde, a pesar de las críticas iniciales, está en la categoría de clásico.



Todo en ella infunde tensión. Desde la aterradora banda sonora de la secuencia inicial, con la cámara aérea recorriendo el paisaje del monte Hood, en Oregón, pasando por la esquizofrénica interpretación de Jack Nicholson (su "¡Johnny está aquí!", acosando a su esposa y rompiendo una puerta con un hacha es un momento icónico del cine), hasta su siniestro y laberíntico final.

Una atípica historia de fantasmas que atrajo a Kubrick porque pensó que era "la más ingeniosa y excitante de ese género" que había leído. "Poseía un extraordinario balance entre lo psicológico y lo sobrenatural", dijo el director según una biografía de Michel Climent.

Sin embargo, su condición de película de culto tardó en llegar.

La acogida inicial resultó tan fría como la zona nevada adonde se dirige el aspirante a escritor Jack Torrance (Nicholson) junto a su mujer (Shelley Duvall) y su hijo (Danny Lloyd) para cuidar del hotel Overlook durante el invierno, en una zona completamente aislada.

"Cuanto más loco se vuelve Nicholson, más idiota parece", sostenía la crítica de Variety. "Duvall transforma a la cálida y comprensiva esposa de la novela en una histérica casi retrasada", añadió.

De hecho el filme no obtuvo ninguna candidatura al Óscar o al Globo de Oro, y sí se llevó dos Razzies, los llamados "anti-Óscar", al peor director y a la peor actriz. Y tampoco obtuvo el visto bueno del escritor Stephen King, en cuya novela homónima se basa la cinta.

"Es como un enorme y precioso Cadillac sin motor adentro. Puedes sentarte y disfrutar del olor de la tapicería de cuero, pero no puedes conducirlo a ninguna parte", manifestó King sobre la adaptación del cineasta, lujosa por fuera pero hueca por dentro en su opinión.

King no estuvo de acuerdo con la elección de Nicholson como protagonista, como tampoco lo estuvo cuando consideró para ese papel a Robert De Niro, Robin Williams y Harrison Ford.

La principal objeción era que la fama de Nicholson se debía a sus roles inestables (como en "Alguien voló sobre el nido del cuco", de 1975), y la intención del escritor era plasmar una lenta aproximación a la locura de un hombre de gran bondad, debido al alcoholismo y las fuerzas malignas (el Overlook se construyó sobre los restos de un cementerio indio, según se explica en la cinta).

La opción preferida de King siempre fue Jon Voight.

"Yo lo haría todo diferente. Kubrick hizo una película de terror sin aparente conocimiento del género", apuntó el novelista, quien no obstante escribió el guión y produjo una nueva versión en forma de miniserie, dirigida por Mick Garris en 1997, que no alcanzó la misma popularidad.

Lo que es indudable es que Kubrick dio en el clavo al contar con Danny Lloyd para dar vida a ese pequeño con poderes extrasensoriales, acosado por las premoniciones y visiones de muertos -memorable el encuentro con las gemelas-, que se pasea en triciclo por los kilométricos y opresivos pasillos del hotel ajeno a lo que se avecina, especialmente en la habitación 237.

Otro momento escalofriante es cuando el pequeño escribe la palabra "redrum" ("murder" escrito al revés, asesinato en inglés) con pintalabios en la habitación de su madre, y comienza a chillar histérico.

Por suerte para el hotel verdadero donde se rodaron los exteriores del filme, el Timberline Lodge de Oregón, -el resto se grabó en Inglaterra-, Kubrick cedió a la petición de que no se usara un número real de habitación por miedo a que jamás fuera usada por los clientes. En el libro de King la acción tenía lugar en la 217.

Finalmente el espectador descubre que Torrance, cuyo objetivo era escribir una novela en los meses que duraba el invierno, había rellenado a máquina páginas y páginas con una sola frase ("All work and no play makes Jack a dull boy"), producto de su locura, a la que Nicholson da rienda suelta llegando al epílogo.

Y así, entre el espectacular diseño de producción y el exigente trabajo de Kubrick con los actores -el rodaje se alargó un año y algunas tomas se repitieron hasta 85 veces-, "El resplandor" se convirtió, según la revista Newsweek, en "la primera película épica de terror".

Por Antonio Martín Guirado

http://www.que.es/cine/201005211122-cumplen-anos-el-resplandor-aportacion.html

George A. Romero, leal a su amor por los zombis


Los Ángeles (EEUU), 14 may (EFE).- George A. Romero, el maestro del terror de serie B mantiene intacto a sus 70 años su amor por los zombis, que le dieron fama en 1968 con la película de culto "Night of the Living Dead" y a los que regresa ahora con una sexta entrega, "Survival of the Dead".



Por si fuera poco, y siempre dependiendo del éxito que obtenga este último trabajo, este neoyorquino espigado -mide casi dos metros- con aspecto de hippie metido a ejecutivo -viste camisa azul con chaleco verde de caza, sobre el que reposa su larga coleta- tiene planificado rodar dos películas más para completar la saga.

"El filme trata sobre el odio y el resentimiento, sobre cómo esos sentimientos no cesan aunque las guerras acaben", dijo Romero en un reducido encuentro con los medios, entre ellos Efe. "Parece que todo EEUU necesita tomar clases para controlar su ira", añadió.

La cinta, ya disponible en VOD (vídeo digital por cable) y con un estreno limitado, previsto para el día 28, se centra en el conflicto entre dos familias que habitan en una isla: los O´Flynn (liderados por Kenneth Welsh) y los Muldoon (encabezados por Richard Fitzpatrick).

Unos apuestan por aniquilar a todos los zombis. Los otros tratan de domesticarlos hasta dar con una cura. En medio, miembros de un ejército tratan de sobrevivir en este filme a medio camino entre el horror con pinceladas de humor y el western, cuya estructura homenajea a "The Big Country", de William Wyler.

Romero dejó su impronta en el cine con "Night of the Living Dead", una obra que influyó notoriamente en el posterior cine de ese género. Tras ella siguieron "Dawn of the Dead" (1978), "Day of the Dead" (1985), "Land of the Dead" (2005) y "Diary of the Dead" (2007).

"Tras esas dos últimas películas quería regresar a mis raíces, a los presupuestos pequeños, y encontramos unos socios (Artfire Films) que querían financiarnos proyectos y darme el control creativo total", explicó Romero.

El cineasta no tiene ningún control sobre la propiedad de los cuatro primeros títulos -"no puedo ni sacar una caja de DVD´s con ellos", apuntó-, por lo que el apoyo de Artfire Films le convenció para completar una nueva franquicia de cuatro títulos a partir de "Diary of the Dead", que incluyen historias protagonizadas por personajes de ese filme.

"Quise hacer ´Diary of the Dead´ rápido antes de que otros se me adelantaran, porque hablaba de los medios de comunicación emergentes y del periodismo ciudadano. Y como recaudó bastante dinero, Artfire me pidió que hiciera otra. ¡Y me salieron tres ideas diferentes!", manifestó Romero entusiasmado.

El cineasta espera que "Survival of the Dead" obtenga el mismo éxito para que pueda completar lo que él considera su "collage" sobre el universo zombi, al que ha dedicado casi toda su trayectoria profesional.

A Romero le gusta aclarar que aunque los muertos vivientes vayan siempre relacionados con su nombre, en realidad él escribe "historias humanas".

"Si te fijas bien los zombis son siempre circunstanciales en mis trabajos. Lo importante son siempre las personas, y cómo responden a situaciones a su alrededor", declaró el realizador, quien sueña con volver a rodar en blanco y negro, como con "Night of the Living Dead".

"Pero jamás me dejarán. El dinero manda", indicó, mientras cruza los dedos con el fin de tener el trabajo asegurado durante los próximos dos años.

"Si ruedo esas dos películas más, para mí serían unas vacaciones. Me encantan y me aclaran la cabeza", dijo el director, quien asegura que también espera lograr financiación para otros trabajos alejados de la temática zombi.

"Pasé casi siete años desarrollando para estudios guiones maravillosos alejados del terror que no llegaron a nada. Me harté, volví a hacer mis películas de dos dólares y seguiré trabajando a esta escala. A mi edad no pretendo rascarme la cabeza", finalizó. Antonio Martín Guirado

http://www.hoymujer.com/reportajes/george,romero,leal,amor,115832,5,2010.html

Antonio Banderas: "Sueño con encontrar mi camino como director"



Tras rodar "Crazy in Alabama" (1999), "El camino de los ingleses" (2006) y anunciar su tercera obra como director, Antonio Banderas asegura, en una entrevista, que esa es la dirección que quiere tomar en el futuro, y sueña con encontrar una voz propia como cineasta.



"Quizá lo que más me gustaría sería convertirme en un director; encontrar mi camino y mi personalidad como tal, definirme. Es un sueño", dijo el intérprete en un encuentro con motivo de la promoción de "Shrek Forever After".


En agosto el español cumple 50 años y, aunque reconoce haber pasado una "crisis de los 40" como la que sufre el popular ogro verde en el filme, alcanzar esa edad no le supone ningún problema. "Entre los niños, los de la vecina... yo también he querido escaparme a la ciénaga como Shrek. Todos pasamos por esa crisis. Pero yo me miro en el espejo y no veo que tenga esa edad. Me siento relativamente bien físicamente", manifestó Banderas, cuyo "Gato con Botas" echa una tripa considerable en la cinta.

"A mí no creo que me pase", afirmó entre risas. "Me preparo para vivir esos momentos con aceptación. Ahora mismo me siento muy cómodo y me gusta mirar atrás para ver lo que he hecho en mi vida. Me produce cierto regodeo; aunque no mucho porque si no, no me muevo. Pero sé que el futuro me guarda muchas cosas", declaró.

Ahí se incluye su nuevo trabajo con Pedro Almodóvar, su tercera película como director o un proyecto en el que dirigirá a su esposa, Melanie Griffith. "A su edad ya no llegan tantos papeles; se retiró un tiempo por razones personales y regresar es difícil. Pero está más fuerte que nunca", dijo Banderas, quien recordó que el pasado viernes cumplieron 14 años de casados y que, en los 15 que llevan juntos "jamás la había visto con tantas ganas de actuar". "Están surgiendo cosas, pero si no se concretan, yo mismo la meteré en la pantalla grande", comentó.

Banderas vuelve a prestar su voz al hilarante "Gato con Botas" en "Shrek Forever After", cuarta entrega de la saga "Shrek", y ya prepara una película propia para ese personaje, a cuya novia prestará sus encantos la mexicana Salma Hayek. "Shrek Forever After", de estreno en EEUU este viernes, reúne de nuevo al elenco formado por Mike Myers (Shrek), Eddie Murphy (Donkey), Cameron Díaz (Fiona) y el propio Banderas, en una historia que traslada a los personajes a una realidad paralela en la que no se conocen, debido a un maleficio que el popular ogro debe romper en 24 horas.

La cinta será la última de la saga, según los productores. "Creo que es muy elegante e inteligente apagar las luces así", dijo el actor español. "Hemos hecho cuatro películas para la historia con unos personajes que, criticando la cultura popular, se han convertido en cultura popular. Creo que es el momento de terminar", añadió. Pero él no dará carpetazo definitivo a su personaje, del que ya se prepara el "spin-off" "Puss in Boots" ("El Gato con Botas"), un filme "de desarrollo y estilo diferentes" en el que Banderas coincidirá con Salma Hayek, con quien ha rodado "Desperado", "Four Rooms", "Frida" y "Once Upon a Time in Mexico". "Es más un épico", apuntó el malagueño. "Se va a recrear mucho el cine de los 60, los ´spaguetti-western´ con las pantallas divididas... Va a ser muy total, muy emocionante", confesó el intérprete.

La cinta, que dirigirá Chris Miller ("Shrek the Third"), seguirá las andanzas del minino desde su infancia en un orfanato hasta que se convierte en ese personaje tan querido de la franquicia, "un tipo solitario que sólo se necesita a sí mismo". Y en ese camino se enamorará de Kitty Cat (Hayek). "Es mi novia en la película, aunque entra en el filme de otra manera al principio", comentó el actor, quien no escondió la similitud de "Shrek Forever After" con "It´s a Wonderful Life", de Frank Capra. "En el mundo del arte no vamos a parar de recrearnos los unos a los otros", admitió.

"Shakespeare ya contó casi todo. Pero las grandes pasiones siempre van a estar ahí", añadió un Banderas, que reflexionó sobre la situación actual del cine. "Está viviendo un momento dramático, en el sentido de que nos encontramos en un vértice de un lugar desconocido al que vamos. En 15 ó 20 años los actores podríamos ser innecesarios. Lo cual me da igual, porque yo empecé en el teatro y ese fue el primer cine en 3D estereoscópico", dijo entre risas.

Antonio Martín Guirado, Los Ángeles (EEUU)

http://www.hoycinema.com/actualidad/noticias/Entrevista-Antonio-Banderas-Sueno-con-encontrar-camino-como-director.htm